Jay Harper

@jayharperart

The work of Jay Harper, a British artist based in Bristol, fluctuates around still life, portrait, and landscape - with her most recent phase focusing on the dissection of elements that appear in her everyday life. Through the simplification of motifs into basic geometric forms and the use of different textures that bring a painterly quality to her works, Jay achieves results that are three-dimensionally reminiscent of reality.

I was captivated by your work a long time ago, perhaps because its simplicity evokes such a vibrant and deep emotion. Why did you choose still life as the main subject of your art?

I’d say it stems from a sense of boredom with traditional portraiture. My work began in 2017 with a very figurative approach, focusing heavily on form in space and experimenting with texture. I’ve found that still life offers a lot of flexibility, especially for exploring materiality and morphology in different contexts. There’s something inherently calming about still life; it brings a genuine sense of tranquillity.

Do you use real models or photography?

Both, really. I start with a head full of ideas, then create a scene to photograph and carry that image in my mind. Having a precise picture of the subject can sometimes restrict you, making you fixate on capturing every detail. But by blending reference and imagination, using the photo as a guide rather than a blueprint, you allow more freedom to interpret the scene. This vision opens doors to experimenting with different ways of translating reality into painting. I often return to the same still life—a familiar jug of flowers, for instance—recreating it in as many ways as possible.

How you convey so much depth and information through 2D images that feel almost three-dimensional. How did you develop this technique?

I think I´ve always worked in a similar way, just because I was never taught painting. If I hadn’t been taught fashion, I’d probably be more interested in making clothes. Creativity shouldn’t come with pressure; it should flow naturally from within.

Jay Harper's studio by Mercedes Polo Portillo

I believe the format and choice of paint can guide you down a particular creative path. Could you share more about your experience working with oil paint?

I wouldn’t say I use oil paint in a traditional way. I often thin it with a lot of medium to achieve the effects I’m after. I start with a pre-primed board, usually with a muted base colour—like a soft red. Since the board is primed with an oil base, each new layer interacts with the one beneath it, creating subtle shifts. For example, if I layer yellow over blue, the result is unique, as it would be directly affected by the underlying colours. Layering gently and seeing where it leads is a discovery process that fascinates me.

Oil glazes interact with one another, creating layers of transparency that add depth and enhance the painting.

Yes, I layer different colours with varying thicknesses, experimenting with textures to create a sense of volume within a distinctly 2D design.

Following on from your research into classical pictorial motifs, your work offers a contemporary take on the portrait. Rigid features are juxtaposed with neutral and calm attitudes. Are they natural models?

With portraits and still life I use both real models and photography. I like to make a new person from different people´s faces so in the end it´s a person that doesn´t exist that could be a friend, an image I´ve seen in cinema… I find them weirdly abstract.

You´ve mentioned that you studied fashion design—does that background influence or connect to your current creative practice?

I think fashion comes into my painting when I´m doing an exhibition and I line the pictures up; it totally feels like I´m creating a collection. I sort of like to group things and that´s one of the main features of a fashion design work.

Trees in a Row (Series from Crete) - Jay Harper

Lastly, let’s talk about color, another unifying element in your artwork. We notice a certain neutrality in the tones, along with a natural connection to earthy pigments. Is this a conscious choice, or do you let each painting guide you toward its own direction?

I like muted tones. Even in my house, I have everything not very bright. Do you know the artist Ana Mendieta?

Yes, sure.

The tone in her work is kind of muted. There is a strong connection between her artwork and the Earth and I love it. Colour that is connected to Earth gives us always some sort of peacefulness. I don´t think it´s a conscious choice though, it just happens.

❋ ENTREVISTA EN ESPAÑOL ❋

El trabajo de Jay Harper, artista británica afincada en Bristol, oscila en torno a los tres motivos pictóricos clásicos -bodegón, retrato y paisaje- centrando su etapa más reciente en la disección de elementos que aparecen en la cotidianidad. A través de la simplificación en geometrías básicas y el empleo de diferentes texturas que aportan calidad pictórica a sus obras, Jay consigue resultados que son una reminiscencia tridimensional de la realidad.

A partir de la sencillez de los motivos retratados, consigues piezas que evocan una profundidad y un volumen extraordinarios. ¿Cuál es el motivo para elegir el bodegón como sujeto principal de tu práctica?

Diría que surge del aburrimiento con el retrato tradicional. Mi trabajo comenzó en 2017 con un enfoque muy figurativo, centrándome mucho en la forma en el espacio y experimentando con la textura. He descubierto que la naturaleza muerta ofrece mucha flexibilidad, especialmente para explorar la materialidad y la morfología en diferentes contextos. También considero que existe una calma intrínsicamente asociada al bodegón y a su contemplación, por lo que me resulta un motivo muy cómodo de trabajar.

¿Utilizas modelos reales o fotografías?

Ambas. Empiezo organizando las ideas en mi cabeza para, seguidamente, crear una escena que fotografío y, por último, recordar esa imagen. Si tienes una imagen precisa del objeto, a veces puedes limitarte y obsesionarte con captar todos y cada uno de los detalles. Al mezclar la referencia y la imaginación, utilizando la foto como guía y no como único modelo, te permites más libertad para interpretar la escena. Esta visión abre las puertas a la experimentación a la hora de trasladar la realidad a la pintura. Me gusta regresar a la misma naturaleza muerta y retratarla desde diferentes puntos de vista.

Me fascina la manera en la que transmites tanta profundidad e información a través de imágenes 2D que parecen casi tridimensionales. ¿Cómo desarrollaste esta técnica?

Creo que siempre he trabajado de forma parecida porque nunca me enseñaron a pintar. Si no hubiese recibido una educación académica en moda, probablemente estaría más interesada en diseñar y confeccionar ropa. La creatividad no debería ser impuesta, debe fluir orgánicamente desde dentro.

El formato y la elección de una técnica pictórica concreta son factores que tienen una implicación fundamental en el desarrollo del discurso creativo. ¿Por qué elegiste el óleo para realizar tus pinturas?

No diría que utilizo la pintura al óleo de forma tradicional. A menudo la diluyo con mucho aglutinante para conseguir los efectos que la obra requiere. Empiezo con una tabla de madera previamente imprimada, normalmente con un color apagado. Debido a que no incluyo una base de aceite inicial, cada nueva capa interactúa con la anterior, creando cambios muy sutiles. Por ejemplo, si superpongo amarillo sobre azul, el resultado es único, ya que se ve afectado directamente por los colores subyacentes. Esta superposición de capas me resulta muy interesante y es mi herramienta principal para conseguir enriquecer la pieza y aportarle tridimensionalidad.

A partir de la investigación sobre los motivos pictóricos clásicos, tu obra explora una visión contemporánea del retrato. Los rasgos rígidos se yuxtaponen a actitudes neutras y calmadas. ¿Se trata de modelos al natural?

En los retratos y bodegones utilizo tanto modelos reales como fotografías. Me gusta crear una nueva persona a partir de rostros diferentes, conformando el resultado un personaje que no existe, que podría ser un amigo, una imagen que he visto en el cine...

Has mencionado que estudiaste diseño de moda, ¿influye esa formación en tu práctica creativa actual?

Creo que la moda entra en mi pintura en el momento en el que comienzo a generar contenido para una exposición y alineo los cuadros a modo de colección. Me gusta agrupar mi trabajo, tener una visión general de las piezas en conjunto, y esa es una de las principales características del diseño de moda.

Por último, hablemos del color, otro elemento unificador de tu obra. Observamos cierta neutralidad en los tonos, junto con una conexión natural con los pigmentos asociados a la tierra. ¿Es una elección consciente o permites que cada cuadro te guíe en su propia dirección?

Me gustan los tonos apagados. Incluso en mi casa utilizo esa gama cromática.

¿Conoces a la artista Ana Mendieta?

Sí, claro.

El tono de su obra se caracteriza por ser apagado. Hay una fuerte conexión entre su trabajo y la materia y me encanta. Los colores de la tierra aportan mucha serenidad. No creo que sea una elección consciente, simplemente sucede.

Jay Harper

Hannah Coton

Alice Poole