Cristina Daura

@cdaura

Cristina Daura is a Catalan illustrator who works with vibrant colours used complementarily, achieving a cartoon aesthetic based on the combination of satire and surreal narrative through the repeated use of certain symbolic elements.

Her work is mainly directed to the press, both nationally and internationally, with contributions to renowned publications such as The New York Times, Die Zeit, El País and Penguin Books. He has also collaborated with important festivals such as Primavera Sound, Sónar, Canela Party or the acclaimed venue RazzMatazz.

Your pictures evoke the grotesque and the bizarre, turning humour, criticism and surrealism into the main discourses. What has been the evolution in your style?

I liked comics from an early age, growing up with a strong interest not only in reading but also in telling stories, in making up stories. My father had satirical magazines at home that made a huge impact on my work, such as El Jueves or the American "Mad", whose content inspired Matt Groening in the creation of The Simpsons. Creating stories far from reality was a way to escape the incomprehension at school, creating a personal world to channel negative emotions.

My graphic style has been shaped by my criteria, without taking external opinion too much into account, and I believe this has been the key to achieving a singular register. Although, of course, I did not always have this firmness in my process: when I finished university, amid the economic crisis in Spain, I felt lost and insecure in facing such an uncertain future. It was at that very moment when social media began to emerge and offered the possibility of sharing my work on platforms that were much more global and open. But these tools required adaptation: I succumbed to certain trends and lost, somehow, my identity as a creative, something that represented a complicated moment in my career and even in my health. Once I understood this transition to the new ways of exhibiting and showing art, I started to realise that originality and exclusivity would help me to achieve a personal identity with which I could be identified. This is how my professional artistic career began and I turned my passion into a profession.

Photo by Leafhopper Project

You create a narrative from surrealism that invites the spectator to build their own story. From the oneiric and the psychedelic, you deal with topics that seem to come from your own experience.

The sequence of images helps me to tell stories dynamically. Most of the time, the illustrations are based on events in my life, both crucial and irrelevant moments that I feel like sharing.

Identity is a frequent motif I deal with, questioning issues I consider affect us as a society and as individuals, thus generating a connection with the viewer when they recognise these signs are familiar to their reality.

Images by Cristina Daura

We observe several elements that keep appearing in your work, conforming imagery of symbolisms that help us to understand your artwork deeper.

A while ago, I read that it's complicated to explain a present experience to someone in the future because the non-written language is constantly mutating. My intention with narration is that both the spectator and myself can understand these experiences in forty years. This obviously involves a strict storytelling exercise, so developing a character and visual elements catalogue was crucial in my process. Many of them have been drawn from oneiric codes and, for the last three years, I have been using a series of characters that define my state of mind:

The horse, one of the characters I have been using for the longest time, would allude to self-esteem.

The rabbit, symbolising tenderness, salivates everything that gets in its way, transforming evil into goodness.

The ghost is a character I used to use. Suddenly, one day, I found a figurine in a toilet that caught my attention and inspired me a lot, and I drew it again to represent sadness, but always in a funny way. I have always thought that humour comes from grief, as that is how I channelled it when I felt excluded; humour is an umbrella for negative emotions.

Finally, I would like to allude to smoke as another of my symbols because of the connection with the expression "selling smoke", with which I have felt very identified as a victim throughout my professional career.

Images by Cristina Daura

Colour is presented as a storytelling element and a distinctive feature of your work.

I use a chromatic range inspired by the fauvist paintings that emerged at the beginning of the 20th century. The combination of primary and secondary colours creates a stridence that works with the satirical, surreal and perverse message I want to show. I intend to lead the viewer into my world, so using a few colours focuses the attention on the narrative.

You work for different industries but you have done several projects of significant relevance for the music and publishing sectors, both of which are closely related to storytelling language.

I really enjoy working in both industries. When I was studying illustration, I realised that the press was one of the most common paths. I spent a long time looking for opportunities until, out of the blue, art directors of renowned publications found my artwork and within a matter of time, I found myself collaborating with The New York Times, The New Yorker, El País or Die Zenit. I have also participated in several books, among which I would like to highlight Herstory and Sexbook, projects of great relevance in my career since, besides illustrating, I was also the Art Director.

Images by Cristina Daura

I started to get into music by making posters for gigs in squats, in friends' shows, environments where nobody asked about authorship. Music is part of my daily life; I compulsively and obsessively listen to it. Since the Internet became widely available, we have undergone a real revolution, having access to new and old trends. As I have never been able to play an instrument well, getting into the sector by drawing was the only way to take part in this captivating universe.

I am interested in merchandising, especially in concert or festival posters, as a print that the public frames to keep the memory of a special musical experience. I have worked with national bands, such as Derby Motoreta's Burrito Kachimba and international ones, such as the Australian King Gizzard & the Lizard Wizard or the U.S-based Khruangbin.

Images by Cristina Daura

❋ ENTREVISTA EN ESPAÑOL ❋

Cristina Daura es una ilustradora catalana que trabaja con colores vibrantes usados de forma complementaria, generando una estética cartoon que se fundamenta en la sátira y la narrativa surreal mediante el empleo reiterado de determinados elementos simbólicos.

Su obra está destinada principalmente a prensa, tanto nacional como internacional, teniendo piezas en publicaciones de gran renombre como The New York Times, Die Zeit, El País o Penguin Books. También ha colaborado con importantes festivales como Primavera Sound, Sónar, Canela Party o la aclamada sala de conciertos RazzMatazz.

Tus imágenes hacen alarde de lo grotesco y lo esperpéntico, convirtiendo el humor, la crítica y el surrealismo en los principales discursos. ¿Cuál ha sido el desarrollo en la construcción de tu estilo personal?

Siempre me gustaron los cómics y, desde pequeña, desarrollé una necesidad no sólo de leer, sino también de contar historias, de generar relatos. Mi padre tenía en casa revistas satíricas que influyeron enormemente en mi trabajo, como el Jueves o la estadounidense “Mad”, cuyo contenido sirvió de inspiración a Matt Groening en la creación de los Simpsons.

Construir historias que se alejasen de la realidad me servía para escapar de la sensación de incomprensión que sufría en el colegio, creando un mundo personal para poder canalizar las emociones negativas.

Mi estilo gráfico se ha ido amoldando a mi propio criterio, sin tener demasiado en cuenta la opinión externa, y creo que esa ha sido la clave de la consecución de un registro personal singular. Aunque, por supuesto, no siempre tuve esta firmeza en mi proceso: cuando terminé la universidad, en plena crisis económica en España, me sentía perdida e insegura ante un futuro tan incierto. Fue en ese preciso momento cuando comenzaron a aparecer unas redes sociales que me brindaban la posibilidad de compartir mi obra en plataformas mucho más globales y abiertas. Pero estas herramientas requerían de una adaptación y, en ese proceso, me rendí a determinadas modas y tendencias y perdí, en parte, mi identidad como creativa, algo que supuso un momento muy difícil en mi carrera e, incluso, en mi salud. Una vez entendido ese tránsito hacia las nuevas formas de exhibir y mostrar el arte, comencé a darme cuenta de que la originalidad y la exclusividad me servirían para llegar a un sello personal con el que se me identificara. Es así como empieza mi carrera artística profesional y convierto mi pasión en profesión.

Generas una narrativa desde el surrealismo que invita al espectador a construir su historia. Desde lo onírico y lo psicodélico tratas temas que parecen partir de tu propia experiencia.

La secuencia de imágenes me ayuda a contar historias de un modo dinámico. En la mayoría de ocasiones, las ilustraciones parten de sucesos de mi vida, tanto de acontecimientos cruciales como momentos sin importancia que me apetece compartir.

La identidad es un motivo que trato con frecuencia, cuestionando temas que creo que nos afectan como sociedad y como individuos, generando, de este modo, una conexión con el espectador cuando reconoce estos signos que le son familiares a su realidad.

Podemos apreciar varios elementos que se repiten en tu obra, conformando un imaginario de simbolismos que nos ayudan a entender más tu trabajo.

Hace tiempo leí que era muy difícil explicarle una experiencia del presente a alguien que se encontrara en un momento futuro debido a que el lenguaje no escrito muta constantemente. Mi objetivo, con la narración, es que tanto el espectador como yo, podamos comprender estas vivencias en cuarenta años. Esto, evidentemente, supone un ejercicio narrativo muy estricto, por lo que desarrollar un catálogo de personajes y elementos visuales era una herramienta recurrente en mi proceso. Muchos de ellos se han generado desde códigos oníricos y, desde los últimos tres años, hago uso de una serie de personajes que definen mi estado de ánimo:

El caballo, uno de los figurantes que llevo más tiempo utilizando, haría alusión a la autoestima.

El conejo, que simboliza la ternura, saliva todo lo que se pone en su camino transformando el mal en bondad.

El fantasma es un personaje que solía utilizar y, de repente, un día encontré una figurita en un lavabo que me llamó la atención y me inspiró mucho, y volví a dibujarlo para representar la tristeza, pero siempre en clave de humor. Siempre he pensado que el humor procede de la pena, ya que así lo canalicé yo cuando me sentía marginada; el humor como paraguas de las emociones negativas.

Por último, hacer alusión al “humo” como otro de mis símbolos, por la conexión con la expresión “vender humo”, con la que me he sentido muy identificada como víctima a lo largo de mi carrera profesional.

El color se presenta como elemento narrativo y seña de identidad de tu trabajo.

Utilizo una gama cromática inspirada en las pinturas fauvistas que surgen a principios del siglo XX. La conjunción de colores primarios y secundarios provoca una estridencia que funciona con el mensaje satírico, surreal y perverso que quiero mostrar. Mi intención es conducir la mirada del espectador hacia mi mundo, por lo que el uso pocos colores focaliza la atención en la narrativa.

Trabajas para diferentes industrias pero has realizado varios proyectos de gran relevancia para el sector musical y editorial, ambos muy relacionados con el lenguaje narrativo.

Disfruto mucho trabajando para ambos sectores. Estudiando ilustración me di cuenta que la prensa es una de las salidas más evidentes. Estuve una larga temporada buscando oportunidades hasta que, de repente, directores de arte de publicaciones de cierto renombre encontraron mi trabajo y, en cuestión de tiempo, me vi colaborando con The New York Times, The New Yorker, El País o Die Zenit. También he participado en varios libros, entre los que me gustaría destacar Herstory y Sexbook, proyectos de gran relevancia en mi carrera ya que, además de ilustrar, llevé a cabo la dirección de arte.

En el ámbito musical comencé a introducirme mediante la realización de carteles para eventos musicales en casas okupas, en conciertos de amigos, ambientes en los que nadie se preguntaba por la autoría. La música forma parte de mi vida diaria, la consumo compulsiva y obsesivamente. Desde la llegada de un internet accesible, hemos acontecido a una auténtica revolución, teniendo acceso de manera infinita a tendencias nuevas y pasadas. Como nunca me he visto capacitada para tocar bien un instrumento, introducirme en el sector dibujando era la única forma de participar de este mundo fascinante.

Me interesa el merchandising, en especial el póster de un concierto o festival, como un print que el público enmarca para mantener el recuerdo de una experiencia musical especial. He trabajado con bandas nacionales, como Derby Motoreta's Burrito Kachimba e internacionales, como la australiana King Gizzard & the Lizard Wizard o la estadounidense Khruangbin.