Ana Clark

@anaclark_studio

Ana Clark is a Bristol-based artist with Brazilian roots, whose work blends sewing, photography, and community connection. Her practice uses textiles as a tool for self-expression and healing, while her photography captures the surrounding reality—people, landscapes, and the creative process. By creating safe, inclusive spaces, Ana facilitates workshops that encourage others to explore their creativity, share experiences, and build meaningful connections.

Ana Clark portrayed by Mercedes Polo Portillo

We first connected through Made My Wardrobe, your workplace and an initiative that WMN featured in the magazine back in 2022. Today, it’s a special occasion as we dive into your creative practice as part of our WMN Meets series here in Bristol. Returning to this city always stirs something in me—the vibrant art scene, the beautiful lifestyle, the political activism, and the constant inspiration from meeting incredible artists. Do you feel that this creative atmosphere influences your work?

The support within the creative community in Bristol is remarkable—I’ve never felt more immersed in creativity than I have here. I immediately felt welcomed and empowered to continue moving my practice forward. This sense of belonging has greatly influenced my work and motivated me to keep creating. Working alongside Lydia Higginson at Made My Wardrobe played a big part in this—it opened doors to connections, collaborations, and a deep sense of being part of something bigger. Bristol’s creative network is so beautifully interconnected, and that has shaped so much of my journey.

There’s something truly unique about the way I feel connected to this city. Every time I leave, I’m filled with inspiration and renewed motivation to continue my artistic practice and the projects I started here.

I completely agree. I always describe Bristol as a big city with a small-town vibe. There’s such a strong sense of community here—it feels like you’re constantly meeting like-minded people, yet there’s always someone new and inspiring to connect with. I feel my circle is expanding organically, and I love the new connections.

Bristol also feels like home in a very personal way. My grandmother has lived here for over 40 years, and my mother for the past decade. When I graduated from art university, I never imagined this would be where I planted my own roots, but it just made sense. My people, my practice, and my home. I feel a deep sense of appreciation, especially when I return from long travels and reconnect with Bristol.

Let’s focus on your personal experience. I’d love to hear about your background in art.

I was born and raised in Brazil, where being good at art meant being technically skilled in drawing and painting realistically. It took me a long time to understand the difference between technical skill and creativity. The Brazilian art that resonates most with me isn’t about technical precision but rather the artist's interpretation of the world around them. Once I understood that, I began to explore my own creativity.

My grandmother was a seamstress, and some of my earliest memories are tied to cloth and how it shapes identity. Textiles became a deeply personal and conscious choice for me. The tactile experience of fabric—the textures, how it moves, and how it feels—became central to my creative vision. When I moved to the UK, I had the opportunity to explore a degree in Textiles, which was incredibly informative and healing.

Alongside this, I’ve always loved photography as a way to capture the world as I see it. I instinctively knew what to photograph and create, but I didn’t fully embrace that instinct until much later.

Textile and not fashion. What´s the difference?

I always like to distinguish between the two—fashion is often about trends and the industry, while textiles and cloth focus on exploring materiality and identity. Textiles are deeply connected to human behaviour. Every culture around the world has a unique relationship with cloth and clothing, which I find endlessly fascinating.

Your profile encompasses a mixture of textiles, garments, and photography. Please deepen these subjects and their repercussion in your practice.

This is something I’m still figuring out, and I’ve given myself a lot of space to do so. It took me a while to embrace the multidisciplinary nature of my work. From working with cloth to facilitating workshops to photography—it’s all part of what I enjoy, and I don’t feel the need to choose just one singular focus. What ties it all together is my desire to reflect on my internal, gentle approach to the world.

I began exploring how these elements intersect during an artist residency in Andalusia at Joya: Air. I spent my days surrounded by the vastness of the desert—sewing in the mornings and photographing in the afternoons. With each garment I sewed, a new aspect of my identity emerged. I began to see textiles as a way to explore identity in a deeper, almost meditative state, while using photography to document the process.

Documenting these pieces became an entirely new form of expression for me. A hanging dress is one thing, but a dress worn on the body and captured in movement transforms it into something more alive and layered. This shift opened new avenues to explore the relationship between clothing, movement, and self-expression.

In today’s fast-paced world, taking the time to sew and create your own clothes is a form of rebellion against capitalism. While society values quick, perfect results, choosing to embrace the slow, imperfect process of making something by hand is a rejection of the consumer culture that promotes disposability. The real value lies not in the final product but in the act of creating itself.

It’s true. We only have to look back a couple of generations to see that sewing wasn’t a rebellion—it was the norm. Every household had a sewing machine, needles, and thread. With the rise of fast fashion, these traditions were lost. Only now are we beginning to reappreciate the craft, labour, and quality of handmade clothes.

There’s a noticeable difference between mass-produced garments and handmade ones. Each decision—from cut to fabric to stitch—is part of the maker’s journey to create something unique. It’s an empowering act that allows for a deep connection with creativity and the present moment.

I’ve worked with hundreds of students, from beginners to advanced sewists, and many fall in love with the process of making. I wish everyone would give it a go and take some ownership over their wardrobes.

Lydia Higginson and Ana Clark at Made My Wardrobe´s Atelier
by Mercedes Polo Portillo

Your creative approaches share a common thread: a sense of calm, stillness, and meditation, conveyed through soft, neutral tones. As I explored your feed, I noticed a consistent presence of beige and soothing, muted colors that evoke a serene, tranquil mood.

I’m so drawn to the natural, earthy tones of the world—a foggy morning, a dusky evening. These colours have always felt nurturing, part of my healing process.

This is clear when I photograph. I’m pulled toward simple moments when the colours are calm and the scene is serene.

Ironically, my father is colourblind and has struggled to see and connect with my work, which always makes me reflect on the individuality of how we see the world.

Storytelling seems essential to your work. What do you think drives this need?

When I was younger, I felt a deep need for healing. Something happened that caused me to build a barrier around myself, and I lived in that space for a long time. Eventually, I realized I had the power to shift that experience and find meaning in it. While processing this pain during university, I discovered I could embed healing into my creative practice. That’s where storytelling came in.

At first, it wasn’t a conscious decision—it was a release. Now, it feels like a gentle awareness that I’m eager to share.

You also have a great ability to facilitate—your workshops are always so inviting and well-curated.

Hosting spaces and bringing people together comes naturally to me. I’ve developed this into my practice by teaching at MMW and running my own creative workshops. There’s such a need for safe, gentle spaces that invite people to be present and share vulnerability—whether that’s sitting alongside strangers and sewing for the first time or opening up about personal experiences.

When I started teaching, I was reminded of my struggles in traditional education as a creative person with dyslexia. It taught me to empathize with new students. Not knowing what you don’t know can be daunting, so my role is to create a space where mistakes are welcome and learning is celebrated.

My first experience hosting creative spaces was during the pandemic. Craving connection, I invited eight makers to a monthly Zoom call to share our practices. It felt vulnerable to reach out, but their excitement reinforced the need for this space. Every month, we met and developed strong creative friendships. I later expanded this into in-person sessions in Bristol, called Una, which I’ll be restarting this spring.

Alongside these sessions, I created the Communal Cloth project. I sit with a piece of cloth, needles, and thread in public spaces, inviting others to join and stitch with me. It’s a tactile way to visualize these shared experiences. Eventually, I hope to exhibit this cloth as a documentation of those moments.

This could be called “holistic teaching”.

Absolutely. Stitching is such a calming, mindful practice that requires patience. It’s an incredible way to quiet the mind and connect to the present. I feel I have used it as a tool to connect with people, community, and the world around me.

❋ ENTREVISTA EN ESPAÑOL ❋

Ana Clark es una artista afincada en Bristol de origen brasileño, cuyo trabajo conjuga la costura, la fotografía y la configuración de nexos con la comunidad. Su práctica utiliza lo textil como herramienta de autoexpresión y sanación, mientras que a través de la fotografía capta la realidad circundante: personas, paisajes y el propio proceso creativo. Además, mediante la creación de espacios seguros e inclusivos, Ana facilita talleres que animan a explorar la creatividad, compartir experiencias y establecer conexiones significativas.

Nos conocimos a través de Made My Wardrobe, tu espacio de trabajo e iniciativa que WMN presentó en la revista en el 2022. Hoy, desde una nueva perspectiva, volvemos a encontrarnos para sumergirnos en tu práctica creativa como parte de nuestra serie WMN meets Bristol. Regresar a esta ciudad siempre me brinda infinitas posibilidades: la inabarcable escena artística, un estilo de vida que trata de acomodarse a las necesidades del mundo actual, el activismo político y la inspiración constante que supone conocer a artistas increíbles. ¿Cree que el ambiente creativo de este lugar influye en su trabajo?

El apoyo de la comunidad creativa es extraordinario. Nunca he estado tan inmersa en la producción artística como aquí. Desde que decidí vivir en esta ciudad, me he sentido acogida y con fuerzas para seguir avanzando en mi práctica. Este sentimiento de pertenencia ha tenido una profunda repercusión en mi trabajo y me ha motivado a seguir creando. Además, trabajar con Lydia Higginson en Made My Wardrobe fue un absoluto cambio de paradigma: me abrió las puertas a conexiones, colaboraciones y a la sensación de formar parte de una iniciativa consolidada y con una comunidad muy potente alrededor.

Hay una sensación genuina de conexión con este lugar. Cada vez que regreso a casa tras una visita, me siento profundamente recargada y llena de motivación.

Estoy totalmente de acuerdo. Siempre describo Bristol como una gran ciudad que mantiene el ambiente más característico de un pueblo. Existe un gran sentido de comunidad: da la sensación de que te encuentras constantemente con gente que piensa como tú, pero, a la vez, conoces a nuevas personas inspiradoras con quien conectar cada día. Siento que mi círculo se amplía orgánicamente y me encanta sumar conexiones para seguir creciendo.

Además, mi abuela vive aquí desde hace más de 40 años y mi madre desde hace una década. Cuando me licencié en Bellas Artes, nunca imaginé que me establecería aquí, pero tenía sentido: mi familia, mi profesión y mi hogar.

Centrémonos en tu experiencia personal. Me encantaría que me hablaras de tus antecedentes artísticos.

Crecí en Brasil y allí, por regla general, suele vincularse el virtuosismo artístico al academicismo, lo que hizo que tardara mucho tiempo en comprender la diferencia entre habilidad técnica y creatividad. Irónicamente, el arte brasileño que más resuena en mí no tiene que ver con la precisión técnica, sino con la interpretación que el artista hace del mundo que le rodea. Cuando lo entendí, empecé a explorar desde mi propio lenguaje.

Mi abuela era modista, y algunos de mis primeros recuerdos están ligados a la costura y a cómo el vestuario puede moldear la identidad. Los tejidos se convirtieron en una elección muy personal y consciente para mí. La experiencia táctil de la tela -las texturas, cómo se mueve y cómo se siente- se formularon como centro de mi visión creativa. Cuando me mudé al Reino Unido, tuve la oportunidad de estudiar un grado en textiles y fue una experiencia muy enriquecedora y curativa.

Además, siempre me ha gustado la fotografía para captar el mundo tal y como lo veo. Desde siempre he sabido qué fotografiar y crear de una forma completamente orgánica pero me costó mucho dejarme llevar por ese instinto.

Textiles y moda. ¿Cuál es la diferencia?

Siempre me gusta distinguir entre las dos: la moda suele tratar sobre las tendencias y la industria, mientras que los tejidos y las telas se centran en explorar la materialidad y la identidad. Lo textil está profundamente ligado al comportamiento humano. Cada cultura del mundo tiene una relación única con las telas y la ropa, un aspecto antrológico que me parece fascinante.

Tu perfil abarca una mezcla de materiales textiles, prendas de vestir y fotografía. ¿Podrías profundizar en estos temas y su repercusión en tu práctica?

Esto es algo que todavía estoy descubriendo y me estoy concediendo el espacio necesario para hacerlo desde la calma. He tardado bastante en aceptar la naturaleza multidisciplinar de mi trabajo pero cada día me encuentro más empoderada y con una mayor motivación para desarrollar mi práctica desde distintos lenguajes. Creo que el nexo de unión es mi deseo de reflexionar sobre un enfoque interno y sincero del mundo que me rodea.

Empecé a explorar cómo se entrecruzan estos elementos durante una residencia artística en Andalucía, en Joya: Aire. Pasaba los días rodeada de la inmensidad del desierto, cosiendo por las mañanas y fotografiando por las tardes. Con cada prenda que confeccionaba se construía un nuevo discurso que canalizaba un aspecto de mi identidad. Empecé a ver lo textil como una herramienta para explorar mi ser en un estado más profundo, casi meditativo, mientras utilizaba la fotografía para retener el proceso.

Documentar estas piezas se convirtió en una forma de expresión totalmente inédita. Un vestido colgado en una percha no tiene nada que ver con la prenda directamente sobre el cuerpo. La inmortalización de ese vestido en movimiento lo transforma, aún más, en un elemento vivo. Darme cuenta de esta complejidad me abrió nuevas vías para explorar la relación entre la ropa, el movimiento y la expresión personal.

En un mundo actual acelerado, dedicar tiempo a coser y confeccionar tu propia ropa es un acto de rebelión contra el capitalismo. Mientras que la sociedad valora los resultados inmediatos, optar por el proceso lento e imperfecto de hacer algo a mano es un rechazo a la cultura consumista que promueve lo desechable. El verdadero valor no reside en el producto final, sino en el acto de crear.

Efectivamente. Sólo tenemos que retroceder un par de generaciones para ver que coser era una práctica cotidiana. Todos los hogares tenían una máquina de coser, agujas e hilo. Con el auge de la "fast fashion” (moda rápida) estas tradiciones se perdieron. En los últimos años parece que ha habido un leve cambio de paradigma y se está empezando a revalorizar la artesanía.

Hay una diferencia notable entre las prendas producidas en serie y las que están hechas a mano. Cada decisión, desde el corte hasta la tela y la puntada, forma parte del viaje del fabricante para crear algo único. Es un acto de empoderamiento que permite una profunda conexión con la creatividad y el momento presente.

He trabajado con cientos de alumnos, desde principiantes hasta personas con capacidad avanzada en la materia, y muchos se enamoran del proceso de creación.

Tus diferentes enfoques creativos comparten un denominador común: la sensación de calma, quietud y meditación, transmitida a través de tonos suaves y neutros. Al explorar tu perfil se puede apreciar la presencia constante del beige y tonalidades suaves que evocan un estado de serenidad.

Me atraen mucho los tonos naturales del mundo que me rodea: una mañana con niebla, un atardecer oscuro… Dichos colores siempre me han parecido nutritivos y son una parte crucial de mi proceso de curación.

Esto queda claro cuando fotografío. Me atraen las escenas sencillas en en calma.

Irónicamente, mi padre es daltónico y ha tenido problemas para ver y conectar con mi trabajo, lo que siempre me hace reflexionar sobre la individualidad de cómo vemos el mundo.

Contar historias parece una parte esencial en tu trabajo. ¿Qué crees que impulsa esta necesidad?

Cuando era más joven, tuve que someterme a una profunda curación. Sucedió algo que me hizo construir una barrera a mi alrededor, y viví en ese espacio durante mucho tiempo. Con los años, me di cuenta de que tenía el poder de cambiar esa experiencia y encontrarle un sentido. Mientras procesaba este dolor durante la universidad, descubrí que podía integrar lo curativo en mi práctica creativa y es ahí es donde entró en juego la narración.

Al principio, no era una decisión consciente, era una liberación. Ahora, lo siento como una toma de conciencia que estoy deseando compartir.

Además, has realizado varios talleres y cursos en los que compartir tus habilidades y abrir espacios seguros donde la gente pueda explorar la creatividad sin expectativas.

Acoger espacios y reunir a la gente es algo natural para mí. He desarrollado esto en mi práctica enseñando en Made My Wardrobre y dirigiendo mis propios talleres creativos. Hay tanta necesidad de espacios seguros y amables que inviten a la gente a estar presente y compartir su vulnerabilidad, ya sea sentándose junto a extraños a coser por primera vez o abriéndose a experiencias personales.

Cuando empecé a enseñar, me acordé de mis dificultades en la educación tradicional como persona creativa con dislexia. Eso me enseñó a empatizar con los nuevos alumnos. No estar familizarizado con una materia puede ser desalentador, así que mi papel es crear un espacio donde los errores sean bienvenidos y se celebre el aprendizaje.

Mi primera experiencia como anfitriona de espacios creativos fue durante la pandemia. Deseosa de conexiones, invité a ocho creadoras a una llamada mensual de Zoom para compartir nuestras prácticas. Al principio, me sentía completamente vulnerable, pero el entusiasmo de las asistentes reforzó la necesidad de este espacio. Nos reuníamos cada mes y acabamos entablamos una fuerte amistad. Más tarde, lo amplié a sesiones presenciales en Bristol, llamadas “Una”, que reanudaré esta primavera.

Paralelamente a estas sesiones, he creado una iniciativa llamada "Communal Cloth" que consiste en sentarnos en una mesa con un gran trozo de tela, agujas e hilo en espacios públicos e invito a los demás a unirse y coser conmigo. Es una forma táctil de visualizar estas experiencias compartidas. Con el tiempo, espero exponer esta tela como documentación de esos momentos.

Podría llamarse «enseñanza holística».

Por supuesto. Coser es una práctica muy relajante pero, a la vez, hay que ser muy consciente y paciente. Es una forma increíble para aquietar la mente y conectar con el presente.

Amber Bardell

Hannah Coton