Amber Bardell

@amberbardel

Amber Bardell is a multidisciplinary artist based in Bristol, working across painting, drawing, meditation, and sound healing. Their art is a reflection of a meditative state of mind, where natural elements are interconnected to create a harmonious and transformative experience. In addition, Amber offers sound healing sessions and facilitates workshops and creative gatherings within the community. Through these practices, they explore the power of creativity as a tool for healing, self-expression, and personal growth, fostering a deeper connection to oneself and others.

Amber at their studio in Bristol - by Mercedes Polo Portillo

As an interdisciplinary artist, your work fluctuates between painting, sculpture, and sound. Tell us about your art background and how it has evolved over the years.

I grew up in a highly creative family, and I consider myself very fortunate to have been surrounded by artists throughout my life. This has given me a realistic understanding of the challenges that come with being a creative and making a living from it. Despite these challenges, creating art is what I love most; it’s something I can’t imagine not doing. This foundation has been crucial to my journey. I’ve always been deeply inspired, and my practice is driven by a continuous exploration of various mediums. At times, it can feel overwhelming, especially because I work across so many different forms, including tattooing and printmaking.

You’ve been recently in Valencia for an art residency. How was that experience?

It was great. I love that I got the chance to step outside of my usual reality. Being in a new place, soaking everything up for a week, and learning a new technique felt amazing. It was so fulfilling to focus in that way. I’m deeply inspired by the process itself, especially as I experimented with different mediums. In the end, they all inform each other in ways I never anticipated. I was particularly drawn to monotype printing because it incorporates a painting element, which aligns with my background in painting, and that transfers to my ceramics as well. While my ceramic pieces are simple in form, I focus heavily on their decoration, as that’s what truly fascinates me. There’s something meditative about creating the form, and it adds a new dimension to my work. The materials themselves are my teachers, revealing their own challenges and natural qualities, which, in turn, bring out something deeper in me.

Amber Bardell at Valencia Print Work Shop by **irynagg**

I’d love to talk about sound. Sound has always triggered a very emotional response in me, and I’ve always felt a strong connection to music. However, I never considered music as a field I should explore myself—until my sister encouraged me for ages to join her at a sound bath and immersive meditation. In these sessions, a meditation practitioner creates live soundscapes, usually using sound bowls, gongs, or other instruments. I immediately fell in love with the experience—it was incredibly creative and inspiring. That single moment sparked something in me, and I knew I wanted to share it with others and create similar practices.

It turns out that the person who led the sound bath was just beginning to teach, so I decided to train in this holistic therapy. It felt so aligned with my work, which often incorporates spiritual themes. This practice has helped me understand my own work better because it’s opened me up to a new way of creating and being. By offering these holistic sessions, I’ve learned how to approach a deeply creative experience that not only enhances my practice but also fosters the development of new ideas with ease.

When it comes to sound healing, what really drew me in was the idea of sharing group sound baths. There’s something powerful about introducing this experience to people who may not have tried it before, helping them access a flow state, and hopefully enabling them to connect deeply. That’s the kind of space I aim to reach in my own creative practice—one that fosters focus, expression, and an openness to whatever arises. I feel the sound bath really facilitates this connection, and it encourages me to create and bring that same sense of openness to others.

At this point in my life, I’ve come to realize that I have the ability to share and reconnect with myself through offering sound baths. Sharing that kind of energy can be incredibly energizing, but it can also be draining. It’s taught me the importance of accountability in maintaining my spiritual practice, and it feels amazing. I always prepare in a specific way before a sound bath, ensuring I’m grounded. I’ve struggled with anxiety in the past, so I need to center myself through meditation beforehand. Without it, I can easily feel disconnected. Knowing that I’m helping others really helps me stay grounded and present.

This reminds me of Hilma af Klint and her deep spiritual connection to art.

I find it really interesting that Hilma af Klint was essentially a medium, though I don’t see myself in the same way. However, I do embrace the idea of channeling. With my spirituality, I’m comfortable in that undefined space—what I consider a meditative state—where I let whatever images come to mind flow through me. Sometimes, I have no idea what I’m about to create, and it can be anything. As an artist, this can be both exciting and challenging, especially when trying to frame my own work. There’s a certain inconsistency in my style, but it doesn’t bother me because I believe it’s a genuine expression of who I am.

I think that’s the magic of experimenting with different techniques and mediums—you become more eclectic and incredibly open to exploring.

Your style is deeply rooted in the decorative arts, and you’ve translated your designs into textiles, ceramics, and even furniture. I’d love to hear more about this expansive exploration and the inspiration behind it.

Part of my inspiration comes from visiting museums and galleries, a habit I still maintain. Whenever I travel, I feel most at ease in those spaces, so I always make a point to visit them. I’m deeply inspired by artifacts—particularly those that are ancient and carry a strong sense of energy. There’s something powerful about seeing handcrafted objects, many of which we may never know the makers of, yet they clearly served a purpose, perhaps as part of a ritual or simply in everyday life. I’m particularly drawn to textiles and objects that have been woven or embellished with beads. To me, these creations embody the essence of what it means to be human—this intrinsic drive to create and make.

I believe it’s a deeply anthropological perspective. History is incredibly important, yet sometimes we overlook the need to preserve it. Art serves as a record of what humanity has created and experienced, and understanding this connection is vital for our progress and understanding of the present

The figurative elements draw the viewer in, guiding us into a world that feels both real and fantastical. Where do the scenes you depict originate from?

About a year or two ago, I began creating organic universes where landscapes and figures interact with one another. I find this approach really representative of how I work, and I don’t want to feel confined to a specific category. Some pieces might fit into certain categories, but that’s not the intention. As I mentioned, my work comes from a very intuitive place—sometimes from dreams, but often from a wakeful, daydream-like state. It’s about revisiting memories, especially past ones, during moments of meditation. These memories and reflections are where my ideas start.

Sometimes, I take photographs for reference, but most of the time, I don’t simply replicate them. Instead, I interpret them, trying to capture the essence of the image and transform it into something meaningful to me. I prefer not to be overly focused on the reference itself. Right now, I feel like my work is becoming more and more abstract as I continue to explore and create.

Some elements appear recurrently. Is your work subjected to symbolism? (birds, sun, flowers…)

I definitely have recurring motifs that I use as symbols, but I’ve never defined them with a specific meaning. I love that they remain undefined, and open to various interpretations. When I create a piece, there’s a connection I feel in the moment, but I believe the work needs to take on a life of its own and evolve with different meanings over time.

What I want my art to be is an affirmation. I haven’t fully figured out what that means yet, but it’s definitely connected to the idea of reflecting nature—its beauty, its patterns, and its rhythms.

Sometimes, before I start painting, I ask the universe for guidance.

What is your primary source of inspiration? Do you find that travel influences your work?

As I mentioned earlier, I love visiting museums, or even approaching more mundane situations with the view of a museum goer. It’s easier to conjure this curiosity when there’s so much newness while traveling. I’m fascinated by how different cultures have represented certain objects, like a leaf, for example. They manage to capture something complex and distill it into a simple, yet powerful shape. I find that incredibly captivating. A suggestion of something with a gestural mark. Nature is also one of my main sources of inspiration, endlessly so.

I work a lot with memories, moments, feelings. Anything that I feel deeply connected to, I may revisit and express it through painting. I feel like a magpie, collecting moments and then piecing them together into an artwork. That’s how I feel when I visit a museum—there’s something spontaneous about drawing inspiration from a masterpiece or even from the way light hits the street or a discarded object.

I think there’s a connection between this and mindfulness. There are those days when you wake up and feel completely attuned to everything around you, inspired by the smallest details because you’re truly living in the moment and observing your surroundings. At times, though, our inner voice can become too loud, and that can get in the way. The way I channel that energy through my art is like medicine—it helps me process and release.

❋ ENTREVISTA EN ESPAÑOL ❋

Amber Bardell es une artista multidisciplinar afincade en Bristol que trabaja la pintura, el dibujo, la cerámica y la meditación con sonido. Su arte es un reflejo de un estado mental meditativo, en el que los elementos naturales se yuxtaponen para crear una experiencia armoniosa y transformadora. Además, Amber ofrece baños de sonido y facilita talleres y encuentros creativos con la comunidad. A través de estas prácticas, le artista explora el poder de la creatividad como herramienta de sanación, autoexpresión y crecimiento personal, fomentando una conexión más profunda con uno mismo y con los demás.

Como artista interdisciplinar, tu obra oscila entre la pintura, la escultura y el sonido. Háblenos de tu formación artística y de cómo ha evolucionado a lo largo de los años.

Crecí en una familia muy creativa y me considero muy afortunada por haber estado rodeada de artistas durante toda mi vida. Esto me ha dado una idea realista de los retos que conlleva y ganarse la vida con ello. A pesar de las dificultades, el arte es lo que más me nutre y motiva, por lo que existe una necesidad vital de ejecutarlo en cada aspecto de mi cotidianidad. Esto conlleva la adaptación de diversos medios para poder llevar a cabo las ideas que surgen con diversos lenguajes.

Hace poco estuviste en Valencia para asistir a una residencia artística. ¿Cómo fue esa experiencia?

Muy enriquecedora. Salir de la cotidianidad y descubrir un lugar nuevo te permite estar muy despierte y absorver lo que te rodea a un ritmo vertiginoso. La experimentación con diversos medios supone una consecución de resultados únicos y sorprendentes y eso motiva profundamente mi desarrollo creativo.

Me atrajo particularmente la impresión de monotipos, por su capacidad de integrar un elemento pictórico que resuena con mi formación en pintura, un enfoque que, a su vez, se transfiere a mi trabajo en cerámica. A pesar de que las piezas cerámicas suelen tener formas bastante sencillas, la atención que dedico a lo decorativo es lo que realmente me mueve e interesa, pues es ahí donde se manifiesta mi verdadero discurso. Además, existe un componente profundamente meditativo en la creación de la forma, aspecto que abre una nueva dimensión en mi trabajo. Los propios materiales, en su naturaleza, se convierten en mis maestros, revelando sus desafíos y cualidades particulares, que, a su vez, provocan la emergencia de un entendimiento más profundo dentro de mí misme.

Quiero aprovechar para hablar del vínculo de mi trabajo con el sonido. El sonido siempre ha desencadenado una respuesta muy emocional, y mi relación con la música ha sido muy visceral y profunda desde hace muchos años. Sin embargo, nunca la consideré como un campo que debiera explorar, hasta que mi hermana me animó a acompañarla a un baño de sonido y meditación inmersiva. En estas sesiones, un practicante de meditación crea paisajes sonoros en directo, normalmente utilizando cuencos sonoros, gongs u otros instrumentos. Ese momento despertó algo en mí y supe que quería compartirlo con los demás y crear prácticas similares. Además, tuve la suerte de que la persona que dirigía el baño de sonido estaba empezando a dar clases, así que decidí formarme en dicha terapia holística. Esta práctica me ha ayudado a entender mejor mi propio trabajo creativo porque me ha lanzado a una nueva forma de crear y de ser.

Uno de los aspectos que más me han interesado de llevar a cabo esta terapia holística ha sido el factor comunal. Poder reunirme con grupos de personas que desean tener esta experiencia ha supuesto la apertura de un nuevo canal de sanación y desarrollo de discurso creativo sin precedentes. La conexión de estas sesiones con la narrativa de mi obra supone generar una práctica que fomente la concentración, la expresión y la apertura de espíritu y la salud.

Esta conexión entre lo artístico y lo espiritual me lleva a la obra de Hilma af Klint.

A pesar de que Hilma af Klint vinculase su trabajo a lo trascendental, sus cualidades podrían estar más relacionadas con las de una médium y yo no me veo de la misma manera. Sin embargo, sí considero que mi labor se fundamenta en la idea de canalizar. Mi espiritualidad me permite sentirme cómoda en ese espacio indefinido -que considero un estado meditativo- en el que dejo que fluyan a través de mí las imágenes que me vienen a la mente. En la mayoría de los casos, no parto de ninguna idea previa, lo que conduce mi proceso a un discurso desafiante y emocionante a la vez, sobre todo cuando intento enmarcar mi propia obra. Existen innumerables incoherencias en mi estilo, pero creo que es una expresión genuina de lo que soy.

Creo que ahí reside , precisamente, la magia de experimentar con diferentes técnicas y conceptos: la obra se vuelve más ecléctica y abierta a la experimentación.

Tu estilo posee un fuerte vínculo con las artes decorativas. Has trasladados tus diseños a piezas textiles, cerámicas e, incluso, a mobiliario. Nos gustaría conocer un poco más sobre ese estudio tan amplio del arte.

Parte de mi inspiración proviene de visitar museos y galerías. Cuando viajo, estos espacios se convierten en lugares seguros donde nutrir la mente y el espíritu, donde aprender historia, antropología… Me interesan, sobre todo, los artefactos de las diferentes culturas a lo largo de la historia por la energía que guardan, el valor cotidiano, lo artesano, lo ritual… También me atrae lo textil, los objetos con tejidos o abalorios… Todas estas creaciones encarnan la esencia de lo que significa ser humano: ese impulso intrínseco de creación.

Lo figurativo capta la atención del espectador y le conduce a un universo real pero fantástico. De dónde salen las escenas que representas?

Hace un par de años comencé a imaginar universos en los que paisaje y figuras interactúan entre sí, conformando un organismo vivo. Este discurso definiría a la perfección la narrativa con la que suelo trabajar; sin demasiadas expectativas, con la mirada abierta a la experimentación y el aprendizaje. Algunas piezas encajarían en ciertas categorías, pero esa no es mi intención inicial. Como ya he mencionado, mi trabajo surge de un lugar muy intuitivo, a veces de lo onírico, pero también del estado de vigilia. Se trata de revivir recuerdos, sobre todo pasados, durante los momentos de meditación.

A veces tomo fotografías como referencia, pero la mayoría de las veces no me limito a reproducirlas, sino que las interpreto, intentando captar la esencia de la imagen, transformándola en algo significativo para mí.

Existen elementos que aparecen en repetidas ocasiones. Está tu obra sujeta al simbolismo?

Es cierto que mi obra acoge singularidades recurrentes que podrían servir como símbolos, a pesar de que nunca les he atribuido un significado concreto. Me interesa que permanezcan indefinidos y abiertos a diferentes interpretaciones. Cuando formulo una pieza, siento una conexión y un valor específico en ese preciso momento, pero, a la vez, considero que es la propia obra la que debe cobrar vida y evolucionar sus significados a lo largo del tiempo.

Uno de los principales objetivos de mi trayectoria es que todo debe convertirse en una afirmación. Aún sigo en el proceso de descifrar su significado real pero, sin lugar a dudas, existe un vínculo con lo natural, su belleza, patrones o ritmos.

¿Cuál es tu principal fuente de inspiración? ¿Crees que los viajes influyen en tu trabajo?

Como he mencionado antes, me encanta visitar museos y acercarme a situaciones mundanas con la mirada de espectadore. Me fascina cómo las distintas culturas han representado ciertos objetos, cómo han conseguido captar conceptos tan complejos y simplificarlos en una forma tan básica, pero poderosa.

Trabajo mucho con recuerdos, momentos, sentimientos… Me gusta hacer el ejercicio de revisitar elementos con los que me siento profundamente conectada y darles forma a través de la práctica artística. Esto podría aplicarse a nuestra cotidianidad y la atención plena en lo que hacemos: hay días en los que nos sentimos completamente en sintonía, inspirades por todo lo que nos rodea. En cambio, en ocasiones nuestra voz interior hace demasiado ruido y se interpone en el camino. En mi experiencia personal, considero que el ejercicio artístico me permite luchar contra esa voz y hacerle más caso a los estímulos que recibo del exterior, canalizando la energía trascendental del arte como medicina.

Amber Bardell

Ana Clark